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Apollo 11 | FantasyMagazine


Su FantasyMagazine, per chiudere il ciclo dei festeggiamenti – almeno per oggi – dell’allunaggio, la recensione ad Apollo 11, documentario che descrive scrupolosamente la spedizione che portò al risultato storico di mezzo secolo fa. Un estratto:

Per realizzarlo Todd Douglas Miller ha avuto a disposizione centinaia di ore in formato pellicola a 70mm, ritrovate di recente da un archivista del Nara (National Archives and Records Administration)  l’agenzia statunitense che si occupa di preservare documenti governativi e storici, e poi poi digitalizzate in 4K. Al materiale video si sono aggiunte circa 11mila ore di dialoghi, poiché durante gli oltre 8 giorni della missione ogni singola discussione, avvenuta anche in contemporanea ad altre, è stata registrata. Il risultato è un racconto che riesce a rendere perfettamente l’idea di quanto la missione Apollo 11 sia stata tutt’altro che una passeggiata trionfale, bensì un lavoro meticolosamente preparato e controllato da centinaia di occhi e di orecchie secondo per secondo.

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Hardcore punk a New York – Carmilla on line


Su CarmillaOnLine la segnalazione e critica di un documentario, At the matinée, di Giangiacomo De Stefano, che vuol ricostruire la scena punk-hardcore di New York negli ’80. Un estratto:

È una ricostruzione, con interviste e alcuni filmati dell’epoca, dell’ambiente hardcore punk newyorkese degli anni ’80, che nacque e ruotò intorno a un famoso locale underground nel Lower East Side di Manhattan, il CBGB (acronimo di Country Blue Grass Blues). Negli anni Settanta era stato un punto di riferimento per le nuove tendenze internazionali: ci suonavano abitualmente Patti Smith, i Ramones, i Television, i Talking Heads, i Blondie, i Clash. Poi era caduto in disuso, anche per la tremenda involuzione della città, avvitata sulla crisi economica, il degrado urbano, la violenza. Poi, forse con la modalità casuale con cui nascono le grandi idee, così, tanto per fare, al proprietario Hilly Kristal venne in mente di riconvertirlo. Diventò un locale diurno, la domenica, per attirare un pubblico giovane, con la sua musica, il post punk più estremo che prenderà il nome di hardcore.

Siamo nei primi anni Ottanta. I ragazzini vanno a scuola il lunedì, ma la domenica pomeriggio sono liberi. Lì per lì si formano nuovi gruppi, che scalpitano e ruggiscono intorno ai maestri, i Warzone, i Quicksand, gli Youth Of Today, un ambiente sulfureo e variegato che darà la luce a gruppi simbolo come i Cro-Mags di Harley Flanagan.

Un navigatore d’eccezione, Walter Schreifels, chitarrista e compositore dei Gorilla Biscuits, torna sul posto, di fronte alla nuova vetrina del negozio che un tempo fu il CBGB. Come dice il Bob Dylan di oggi sul Rolling Thunder tour, non resta nulla. Solo polvere. Forse non eravamo neppure nati. Neanche i rumori, i suoni furiosi, le urla “tirate in faccia”, gli odori pregnanti di sudore adolescenziale, i corpi scaraventati tra il pubblico, i muri anneriti ammuffiti rivestiti di collages e graffiti, i bagni lerci di un seminterrato gremito fino all’inverosimile con 40-45 gradi di temperatura interna, nessuna uscita di sicurezza e un angelo custode, anzi, una task force di angeli che l’hanno protetto da un piccolo, insignificante incidente: una sigaretta accesa, una scintilla degli impianti elettrici che avrebbero provocato una strage di ragazzini, imprigionati in una bara mortale come un sommergibile che affonda, un carro armato che va a fuoco.

Schreifels racconta, ricorda, intervista i sopravvissuti, tutti sani e presenti mentalmente: ex chitarristi o cantanti dei gruppi hardcore, che cercano di restituire la furia del periodo, la rabbia entusiasta dei dodicenni, dei quattordicenni che si agitavano sul palco e in platea. Bambini ipercresciuti che spesso, come ha raccontato proprio Harley Flanagan nel libro autobiografico La mia vita Hardcore, già suonavano (dopo avere ottenuto il permesso dalle mamme), fumavano droga e avevano pure dei rudimentali rapporti sessuali con ragazze più grandi. Anche se, precisa giustamente qualcuno degli intervistati, bisogna superare il luogo comune dello sballo a ogni costo. Non tutti volevano drogarsi, da bravi hardcore punk. Molti credevano nell’amicizia, nella solidarietà, nell’accoglienza, non bevevano e non si drogavano affatto.

Le interviste si alternano con filmati dell’epoca, tutti di pessima qualità naturalmente, girati da spettatori, immagini sgranate, traballanti per i continui urti, il corpo di qualcuno scaraventato sulla platea, con un audio inascoltabile, distorto, che forniscono un effetto presenza formidabile, privo di qualunque filtro o rielaborazione. Sembra di esserci, anzi, ci siamo, travolti dall’adrenalina e dal testosterone adolescenziale in totale libertà, come un branco di cuccioli predatori che lottano, giocano, ruggiscono. Era un ambiente soprattutto maschile, per cui le ragazze, dicono un paio di signore oggi distinte e sorridenti che parteciparono a quegli anni frenetici, erano rare, e dovevano essere “toste”.

“L’ultimo pizzaiolo”: Naitza racconta le memorie dei proiezionisti del cinema


Un contributo di Arnaldo Pontis a una storia di un cosmo che può apparire lontano, ma che cesella magicamente la realtà che vive ovunque, in luoghi apparentemente remoti ma che hanno, invece, il sapore e la ricchezza della diversità, della non omologazione. Meraviglioso…

“L’ultimo pizzaiolo”, il nuovo documentario di Sergio Naitza, non racconta il cinema del passato con nostalgia, ma vuole essere la difesa della memoria pubblica e privata che appartiene a tutti. Il film verrà proiettato in prima assoluta a Sassari, durante il Sardinia Film Festival, martedì 25 giugno alle 18.30 al Palazzo di Città – Teatro Civico.

Le immagini dei cinema della Sardegna abbandonati, disabitati e fatiscenti scorrono nel documentario girato da Davide e Luca Melis con la collaborazione di Maurizio Abis al montaggio: “squarci di natura morta, reperti di archeologia industriale – racconta il regista Naitza – frammenti di un luogo sconsacrato che sembra remoto ma in realtà è passato recente. L’idea era di far precipitare lo spettatore di nuovo in quel bozzolo buio con lentezza ieratica, insistente e latente, lasciando che un dettaglio o un totale, un movimento laterale o un leggero dolly, facessero riemergere quell’atmosfera che puzzava di fumo e variegata umanità dimenticata”.

Lo spettatore viene accompagnato nell’immersione di quel paesaggio industriale grazie alle musiche di Arnaldo Pontis, elaborazioni elettroniche che annullano l’effetto nostalgico ed entrano in dicotomia con l’impianto visivo. Su alcune di queste tracce si innesta il lamento della chitarra elettrica di Matteo Casula intrecciandosi con vibrati in loop e note di piano. Il tutto conferisce una frattura, un distacco emotivo dalle immagini.

L’atmosfera cambia nei titoli di coda. La soundtrack finale trascina in uno stato di malinconia struggente, in sintonia con le immagini delle sale chiuse che rimandano alla magia e all’illusione del cinema dei vecchi tempi: è un brano del 1939 intitolato “Signora illusione” che è stato gentilmente concesso da Lia Origoni, la cantante sarda di La Maddalena che negli anni ’40 era una vera e propria star, molto nota in Italia e in tutta Europa, ancora in vita, quest’anno compirà cent’anni.

In Search of Darkness: la clip con John Carpenter | HorrorMagazine


Su HorrorMagazine la segnalazione della prossima uscita – ottenibile finanziando il progetto – del documentario In search of darkness, dedicato all’opera di John Carpenter. Ecco i dettagli dell’operazione:

Tramite commenti critici interessanti e racconti da fonti interne dei dietro le quinte del periodo cinematografico hollywoodiano degli anni ’80, In Search of Darkness offrirà ai fan una prospettiva unica sul decennio che ha dato vita ad alcuni dei più grandi artisti, registi e franchise del genere horror che per hanno sempre cambiato il panorama del cinema moderno. Tracciando le principali uscite cinematografiche, i titoli oscuri e le gemme uscite straight-to-video, l’incredibile schiera di intervistati che sono stati assemblati per ISOD approfondirà una moltitudine di argomenti: dalle sfide creative e di budget che i creativi hanno dovuto affrontare nel corso del decennio fino ai costumi delle creature e gli effetti pratici che hanno rinvigorito l’industria degli effetti speciali di make-up durante l’epoca degli strabilianti stunt che hanno fatto credere a una generazione di fan l’impossibile.

Il giardino degli artisti. L’impressionismo americano | FantasyMagazine


Su FantasyMagazine la segnalazione di un documentario che sarà proiettato solo il oggi 9 e domani 10 maggio dal titolo Il giardino degli artisti. L’impressionismo americano, di Phil Grabsky. L’argomento verte sui pittori statunitensi che, sul finire dell’Ottocento, sposarono gli stilemi dell’Impressionismo (qui la recensione). Eccone uno stralcio:

Quella tra arte e giardini è una storia d’amore straordinaria. In epoca moderna tutto inizia in un paesino francese, in quella Giverny che aveva ammaliato Claude Monet trasformandosi in fonte di ispirazione per decine e decine di pittori del tempo. Non è però solo l’Europa a rimanere stregata dalle ninfee. Quando nel 1886 il mercante d’arte francese Paul Durand-Ruel porta trecento dipinti impressionisti a New York, infatti, non può probabilmente immaginare quanto accadrà di lì a breve, quando moltissimi artisti americani faranno i bagagli e partiranno per un pellegrinaggio verso lo stagno più famoso di tutto il movimento impressionista.

È da qui che prende il via Il giardino degli artisti. L’impressionismo americano di Phil Grabsky che sarà nei cinema solo il 9 e 10 maggio come nuovo appuntamento della stagione della Grande Arte al Cinema (elenco sale su www.nexodigital.it). Il documentario racconta infatti le vicende dell’Impressionismo americano e del suo rapporto con il Garden Movement, fiorito tra 1887-1920. Entrambi i movimenti hanno risposto al rapido cambiamento sociale causato dall’industrializzazione americana. La crescente urbanizzazione stava infatti spingendo l’emergente classe media a cercare rifugio in periferia, dove nel tempo libero era possibile coltivare piccoli e grandi giardini privati.

L’Impressionismo, o meglio gli artisti che furono definiti Impressionisti, non godevano di grande apprezzamento in Francia alla fine del 1800. Erano artisti di rottura e proponevano non solo soggetti non canonici, ma anche un modo di dipingere percepito come fastidioso, a volte offensivo, confusionario e privo di ogni epicità. Vennero boicottati dagli accademici e non parteciparono a mostre ed esposizioni. Uno dei pochi che comprese la grandezza di questo movimento fu il mercante Durand-Ruel, che finanziò e promosse l’attività di Monet, Renoir, Manet, Sisley solo per citarne alcuni. L’idea geniale che ebbe per smuovere le acque di un ambiente artistico integralista fu l’organizzazione di una mostra in America (nel 1886), paese che percepiva tutto con gran curiosità, soprattutto se proveniente da un luogo così ricco di fermento culturale, considerato la patria dell’arte. I trecento dipinti fecero eco e aprirono nuovi orizzonti ad artisti locali, che presero le armi contro un mare di affanni e partirono decisi a confrontarsi con i maestri, i quali di ritorno suscitarono curiosità anche in patria. Questa la premessa del film documentario Il giardino degli artisti. L’impressionismo americano, diretto da Phil Grabsky e distribuito in l’Italia da Nexo Digital con i media partner Sky Arte HD e MYmovies.it.

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There was a vision…

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