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Dune, i primi dettagli ufficiali sul film | Fantascienza.com
Su Fantascienza.com lo stato di avanzamento del film Dune che Denis Villeneuve sta portando avanti da molti mesi. Sembra l’ennesimo capolavoro. Un estratto:
Se vi state preoccupando di possibili interruzioni delle riprese, è lo stesso Chamalet a raccontare che l’inizio è avvenuto nell’estate del 2019, nel sud della Giordania e negli emirati arabi, nello specifico Abu Dhabi, dove in mezzi a canyon di granito e paesaggi giganteschi e irreali sembrava davvero di essere su un pianeta alieno. Ed eccoci trasportati su Arrakis, il pianeta intorno a cui ruota la complessa storia creata da Herbert cinquantacinque anni fa e in grado di influenzare tutta la fantascienza a venire, partendo da Star Wars per passare anche da Alien.
L’attore rivela che le temperature raggiunte nel deserto erano paragonabili a quelle di Arrakis e le cosiddette tute distillanti del romanzo, ricreate nel dettaglio, nella realtà sortivano l’effetto opposto di quello immaginato dall’autore: dal proteggere e fornire idratazione a chi le indossa, facevano sudare da morire.
Il pianeta, come sanno i conoscitori del romanzo, è un immenso mare di sabbia, ma nasconde due segreti: una spezia unica nella galassia, capace di allungare la vita, prevedere il futuro, aprire le potenzialità della mente umana e inestimabile per i navigatori per gilda spaziale per il pilotaggio delle loro astronavi.
Il secondo sono enormi, voraci vermi della sabbia, che si nascondono nel sottosuolo e emergono in superficie per attaccare coloro che attraversano il deserto.
NICK CAVE AND THE BAD SEEDS – From Her To Eternity
…forse il momento migliore del gothic acido di Nick Cave coi suoi Badseed, immortalati nel film Il cielo sopra Berlino, di Win Wenders…
Il colore venuto dallo spazio | HorrorMagazine
Su HorrorMagazine la recensione a Il colore venuto dallo spazio, di Richard Stanley, film ispirato all’omonimo racconto di HP Lovecraft. Un estratto:
Richard Stanley riesce a evocare l’alieno con una semplicità disarmante. Attraverso una fotografia che tinge di porpora una natura maestosa, rievoca l’orrore cosmico in maniera decisamente più efficace della narrazione in sé. Tutto quello che non è immagine finisce infatti per diventare accessorio, riempitivo: dalle inutili sdolcinatezze che avrebbero fatto rabbrividire il solitario di Providence a Nicolas Cage. Già, Nicolas Cage. Quando è stata annunciata la collaborazione tra Stanley e Cage abbiamo creduto che quell’unione fosse la materia di cui sono fatti i sogni. Eppure ci sbagliavamo. Cage è eccessivo dal primo minuto in cui compare in scena, fino a trascendere nella seconda parte della pellicola. Non riesce a prendere le misure e va nella direzione opposta al film, tanto che in più di un’occasione sfiora il ridicolo. E purtroppo non è il solo. Stanley dipinge una “normalità” che è già abbastanza bizzarra ben prima della caduta del meteorite. Tra adolescenti che praticano wicca, sociopatici e mungitori di alpaca, la discesa verso la follia non può che perdere d’impatto. Più che subire l’influsso del colore, i personaggi sembrano essere assolti, finalmente liberi di diventare loro stessi.
Nel racconto di Lovecraft, la mutazione avviene per gradi: prima le piante, poi gli animali e infine gli uomini. Consumati e poi disfatti. Stanley è ovviamente costretto a restringere la linea temporale, ma fa l’errore di concentrarsi in maniera eccessiva sulla famiglia Gardner. Cage era già abbastanza inquietante come padre premuroso e le radiazioni cosmiche sembrano solo fargli bene, ma il resto della famiglia reagisce in maniera fin troppo approssimativa. Quando il colore inizia a esercitare la sua influenza i loro comportamenti si fanno confusi, esagerati, incoerenti. E la magia di Lavinia si rivela nella sua inutilità.
La trasposizione di Stanley perde gran parte della potenza evocativa di Lovecraft, ma pur se con qualche grossolano errore, la sua è una delle migliori letture non solo di Il Colore venuto dallo spazio ma dell’opera del solitario di Providence. E poi ogni passo falso è perdonato quando in scena fanno la loro comparsa le ripugnanti creature che rendono omaggio al mostro di La cosa.
YouTG.NET – “Dieci, cento, mille anni”, un videoclip inedito per “L’ultimo pizzaiolo”
Su segnalazione di Arnaldo Pontis dei Machina Amniotica, link un articolo di YouTG in cui il clip musicale del film L’ultimo pizzaiolo.
L’ultimo Pizzaiolo è un racconto per immagini che ci guida attraverso le sale cinematografiche della Sardegna chiuse, abbandonate e cadenti: per raccontare un pezzo di memoria collettiva e immortalare questi luoghi prima che vengano cancellati dal profilo urbano di città e paesi. L’ultimo pizzaiolo, lungi dall’essere elegia del cinema e dei suoi anni più fulgidi, vuole essere la difesa di una memoria pubblica e privata che appartiene a tutti: il racconto di un recente “come eravamo” che si riverbera nella storia sociale, economica e culturale della Sardegna, e merita di non venire coperto dall’oblio.
Il film presenta anche le testimonianze di 4 anziani protagonisti delle sale cinematografiche in Sardegna: Mario Piras, storico operatore del cinema Olympia di Cagliari, Luciano Cancedda, che ha lavorato nel cinema dal 1957 per diventare poi proiezionista del Moderno di Monserrato fino alla chiusura; di Dante Cadoni, che ha iniziato nel 1966 a 15 anni nel cinema Garibaldi di Villacidro e Pino Boi, cagliaritano verace, “figlio del cinema” come si definisce lui. Il padre era proiezionista e rumorista già ai tempi del muto all’Olympia, e oltre a seguire le orme paterne poi abbandonate, è stato fattorino, magazziniere, distributore: una vita in mezzo alla pellicola. È stato l’ultimo gestore del deposito di pellicole della Sardegna, un tempo carico di bobine di celluloide
“Una rapida morte – spiega il regista, Sergio Naitza – dagli anni ‘80 ha cancellato repentinamente luoghi simbolo di ogni centro abitato, grande e piccolo, frantumando un tessuto sociale che si era formato nel corso del tempo. Ogni città ha la sua via Gluck celentanesca: dove c’era il verde – e la sala cinematografica era un luogo di divertimento, cultura, condivisione, speranza – ora c’è una città, ovvero l’ingordigia immobiliare che ha cambiato la destinazione d’uso e soppresso una memoria collettiva.
Pontis è stato coinvolto con alcuni nomi della scena musicale alternativa sarda, come Joe Perrino, che ricordo benissimo come gruppo di spalla in uno dei tanti concerti visti nella mia gioventù; il progetto filmico è molto bello, poesia allo stato puro e le note che suggellano l’opera visiva sono semplicemente magnifiche. Vi incollo qui sotto il clip, buona visione.
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Cattive acque | FantasyMagazine
Su FantasyMagazine la recensione a Cattive acque, film di Todd Haynes che racconta di come il Liberismo sia aggressivo, rapace, pronto a qualsiasi compromesso pur di incarnare il profitto. La democratizzazione della possibilità di truffare e arricchirsi produce tali risultati…
Rob Bilott è un avvocato di Cincinnati alle dipendenze di uno studio legale che difende le industrie chimiche. Un giorno però Wilbur Tennant, un contadino amico di sua nonna, lo raggiunge in ufficio per chiedergli aiuto poiché vede morire in poco tempo tutte le mucche della sua fattoria. Ha il sospetto che un’industria chimica che ha una discarica a pochi metri dai suoi terreni, stia inquinando le acque che le bestie bevono. Se da prima Bilott è poco propenso ad accettare il caso, non appena si rende conto che sta succedendo qualcosa di pericoloso non solo per Tennant ma per tanti in paese, decide di accettare l’incarico. Quella che però doveva essere una veloce indagine si trasforma ben presto in un calvario lungo vent’anni, che rischia di mettere a repentaglio non solo la carriera di Bilott ma anche la sua famiglia.
Cattive acque non è un semplice legal thriller ma si iscrive in quel genere tanto ben raccontato dal cinema americano, dell’inchiesta nata dall’abuso di potere verso i cittadini. Come Tutti gli uomini del presidente, The Post, Leoni e agnelli, il cuore della storia è costituito da un’inchiesta, nel caso di Cattive acque il film è tratto da un reportage giornalistico, che scoperchia le frodi operate da un’azienda chimica senza scrupoli. Lo sguardo sulla vicenda è dato dal protagonista perfettamente interpretato da Mark Ruffalo, attore non a caso impegnato in molte lotte civili che, spinto dal bisogno di ottenere giustizia, sembra imbarcarsi in un’impresa colossale.
La sceneggiatura riesce nel mirabile lavoro di creare il giusto equilibrio tra la storia personale del protagonista che pure deve fare i conti con una famiglia da mantenere e un capo che lo appoggia fino ad un certo punto, e la messa in scena della vicenda legale. Grazie a ciò il film riesce essere appassionante nonostante il tema ma, senza introdurre elementi che distoglierebbero dal focus che interessa raccontare. Rob Bilott non è una versione maschile di Erin Brockovich ma un uomo qualunque capace di compiere una scelta morale.
Horse Girl: il trailer del film con protagonista Alison Brie | HorrorMagazine
Su HorrorMagazine il trailer di questo interessante horror: Horse Girl. Ecco la sinossi:
Sarah vive una vita semplice. Lavora in un negozio di arti e mestieri, è socialmente isolata, le piacciono gli show crime soprannaturali e preferisce la compagnia dei cavalli a quella delle persone. Ma quando inizia a vivere una serie di sogni stranamente surreali anche da sveglia, Sarah fatica a distinguere il reale dall’irreale.
Jojo Rabbit | FantasyMagazine
Su FantasyMagazine la recensione a Jojo Rabbit, film di Taika Waititi. Lascio alle parole del recensore la meraviglia che penso sia questo film:
Un film umoristico ambientato durante la seconda guerra mondiale, il cui protagonista è un nazista che denigra il popolo ebraico e in cui Hitler è un simpaticone: Jojo Rabbit ha tutti gli ingredienti per essere una commedia a la Per favore non toccate le vecchiette, ma decide di inoltrarsi su un percorso tortuoso che lo eleva in una direzione diversa.
Johannes “Jojo” Betzler (Roman Griffin Davis) ha appena compiuto dieci anni ed è pronto a intraprendere il rito di passaggio che segnerà la fine della sua infanzia: entrare nella gioventù hitleriana. Gracile, di buon cuore e non particolarmente brillante, Jojo è l’antitesi dei valori attribuiti alla “razza ariana” e soffoca le sue insicurezze con una venerazione zelota della mitologia nazista. Il suo indottrinamento è tanto rigido che, nei momenti di debolezza, si confida con un Hitler immaginario (Taika Waititi) che considera il suo migliore amico.
Vittima di un incidente, Jojo rimane confinato in casa per il periodo della convalescenza, incappando fortuitamente in Elsa (Thomasin McKenzie), una ragazza ebrea che si nasconde nelle intercapedini dell’edificio. Incuriosito e disgustato allo stesso tempo, il piccolo nazista inizia a intavolare un progetto etnografico che lo porterà irrimediabilmente a confrontarsi con il diverso, scoprendo in esso molte più affinità di quante i suoi preconcetti gli lasciassero intendere.
Difficilmente Jojo Rabbit entrerà nella storia del cinema: è troppo ridicolo per essere serio ed è troppo serio per essere ridicolo. Al suo interno si possono identificare le scintille di un regista in grado di fare grandi cose, ma che fatica a rinunciare al suo lato ironico anche quando va a demerito del suo lavoro. La pellicola verrà inoltre accusata di aver umanizzato i soldati nazisti, di averli “deresponsabilizzati” dalle loro azioni o per averli rappresentati come vittime di un sistema soverchiante, di aver infranto dei taboo sacri.
Credo che la lettura opportuna sia quella diametralmente opposta. Vedo Jojo Rabbit come una lettera di speranza lanciata contro i nuovi fascismi, contro i sovranismi spietati che aizzano le folle, contro la xenofobia. Taika Waititi si affida alla fondamentale bontà delle persone, suggerendo che l’odio verso l’alterità sia frutto dell’ignoranza, della distanza tra umani e del cieco desiderio di appartenenza. I nazisti non sono brave persone, ma le brave persone possono agire da naziste quando agiscono codardamente.
